Национальная галерея, Лондон

Национальная галерея в Лондоне - это художественная галерея в Лондоне, Англия, которая обладает одной из лучших коллекций европейской живописи в мире. Важность этой галереи заключается в том, что, несмотря на существование более крупных галерей, в Национальной галерее много картин очень высокого качества, а также в том, что в ней есть картины известных художников, чьи работы очень редки. К таким редким картинам относятся работы Дуччо, Масаччо, Уччелло, Пьеро делла Франческа, Леонардо, Джорджоне, Микеланджело, Караваджо, Вермеера, Шардена, Климта, Руссо и Редона.

Национальная галерея находится на Трафальгарской площади, которая является одним из самых оживленных туристических мест в Лондоне. Это величественное здание из бледно-серого известняка, с центральным куполом и большим крыльцом (портиком) в классическом стиле, как у древнегреческого храма. С левой стороны галереи находится большое новое здание под названием The Sainsbury Wing.

Национальная галерея, фото Йорик Пити.

История

В 1823 году коллекционер по имени сэр Джордж Бомонт предложил отдать свою знаменитую коллекцию картин британскому правительству для создания общественной художественной галереи. В 1824 году другая знаменитая коллекция картин была выставлена на продажу. Ее владелец, Джон Джулиус Ангерштейн, умер. Казалось, что его картины будут проданы за пределами Англии. Затем поступило еще одно предложение о продаже картин от третьего коллекционера, преподобного Холуэлла Карра. Парламент должен был быстро принять решение.

Парламент проголосовал за создание национальной коллекции и строительство галереи. Они выделили 60 000 фунтов стерлингов на покупку картин Ангерштейна. Они получили 38 картин и смогли выставить их на всеобщее обозрение в доме Ангерштейна.

Коллекция быстро росла: картины Бомонта и Холуэлла Карра и другие были куплены или подарены. Требовалась новая галерея. В 1831 году были приняты планы архитектора Уильяма Уилкинса. Было выбрано место, выходящее на Трафальгарскую площадь, старые здания были снесены, и 9 апреля 1838 года состоялось открытие великолепной новой галереи.

Когда открылась Национальная галерея, существовало устойчивое мнение, что картины эпохи Высокого Возрождения конца 1400-х годов и барокко 1600-х годов являются самым лучшим видом искусства. Слово "примитив" использовалось для описания итальянских картин 1300-х и начала 1400-х годов. К счастью, директор галереи, сэр Чарльз Истлейк, посчитал важным собрать некоторые из этих примитивных картин, а также более популярные картины эпохи Высокого Возрождения. Таким образом, Национальная галерея стала обладательницей множества редчайших произведений эпохи позднего Средневековья и раннего Возрождения.

В 1870-х годах галерее посчастливилось получить две коллекции картин известных голландских художников. Для их размещения пришлось перестроить здание. Галерее также были переданы картины известных британских художников; вскоре их стало так много, что большинство из них перевезли в новую галерею, названную Тейт.

К 20-му веку становилось все труднее покупать очень важные картины; появились другие галереи в США и Германии, которые пытались купить те же картины. Поэтому Национальная галерея начала покупать работы более современных художников, и вскоре у нее появилась коллекция картин 19-го и начала 20-го века. Это не большая часть коллекции Национальной галереи, но в ней представлены небольшие работы многих очень важных художников, особенно импрессионистов.

Мадонна с мизинцами" Рафаэля, написанная около 1506 года, - одна из последних важных картин, приобретенных Национальной галереей.

Важные картины

Ранний итальянский

Дуччо, Мадонна с младенцем, ок. 1300 г., Сиенна
Масаччо, Мадонна с младенцем, ок. 1426, Флоренция
Фра Анджелико, Христос во славе, ок. 1435, Флоренция

Уччелло, Святой Георгий и дракон, ок. 1450, Флоренция

Сюжет этой картины - христианская легенда о драконе, укравшем принцессу. Принцесса очаровала дракона и связала его своим поясом, но не смогла убежать. Благородный Георгий пришел ей на помощь и убил дракона. В Национальной галерее есть много картин с изображением Святого Георгия, потому что он является святым покровителем Англии. Уччелло попытался показать перспективу пейзажа, расположив светлые и темные участки на земле. Диагональные линии очень важны в этой картине. Линия, проведенная крылом и лапой дракона, идет в том же направлении, что и копье Георгия, в то время как тело и хвост идут в противоположном направлении.

Пьеро делла Франческа, Крещение Христа, ок. 1450, Умбрия
Мантенья, "Агония в саду", 1460, Мантуя
Поллайуоло, Мученичество святого Себастьяна, 1475, Флоренция

Сандро Боттичелли, Марс и Венера, 1480-е годы, Флоренция

Сюжет этой картины взят из римской мифологии. Бог войны Марс занимается любовью с Венерой, богиней любви. Он так устал, что не знает, что маленькие фавны играют с его оружием. Но вот один из них собирается громко выстрелить ему в ухо большим снарядом. Смысл этой картины в том, что любовь может победить войну. В основе дизайна лежит большая буква W, которая делает картину симметричной. Боттичелли написал эту картину для спальни Джулиано Медичи, богатого дворянина из Флоренции. Он нарисовал Марса, похожего на Джулиано, и Венеру, похожую на его подругу, но Джулиано не успел насладиться его картинами, так как спустя некоторое время был убит.

Перуджино, Мадонна с младенцем и ангелами Михаилом и Рафаилом, 1496, Перуджа
Джованни Беллини, Портрет Леонардо Лоредано, дожа Венеции, 1501 год, Венеция

Ранняя североевропейская живопись

Неизвестный художник, Уилтонский диптих, ок. 1395 г., Англия или Франция

Уилтонский диптих - одна из самых ценных картин в Национальной галерее, поскольку большинство небольших произведений искусства средних веков в Англии были уничтожены. На этой картине изображен король Англии Ричард II, представленный Деве Марии тремя своими святыми покровителями. Она написана темперой; краски смешиваются с яйцом. Слово "диптих" означает, что картина состоит из двух частей и может быть закрыта, как книга. Фон покрыт тонко истолченным сусальным золотом. Голубой цвет сделан из измельченного полудрагоценного камня, лазурита. Возможно, эта картина была написана в качестве свадебного подарка королю во время его пребывания во Франции.

Ян ван Эйк, Свадьба Арнольфини, 1434, Бельгия
Ханс Мемлинг, Богородица и младенец со святыми и дарителями, 1477, Брюгге
Рогир ван дер Вейден, Пьета, ок. 1460 г., Брюссель
Иероним Босх, "Осмеяние Христа", ок. 1480 г., Буа-ле-Дюк
Альбрехт Дюрер, "Отец художника", 1497 год, Нюрнберг

Герард Давид, Богородица и младенец со святыми и донором, 1505 год, Брюгге.

Эта картина - алтарный образ для церкви. На ней изображена Дева Мария, сидящая, как королева, на троне с младенцем Иисусом. Ему поклоняются три святые женщины и человек, который заплатил художнику за картину для церкви. Его называют "дарителем". Все на картине написано очень подробно: одежда, плитка, украшения, здания и цветы. Многие вещи на картине являются символами. Маленькая собачка - символ верности. Лилии - символ чистоты Девы Марии. На картине не изображена часть истории или момент времени. Картина написана для того, чтобы помочь зрителю успокоить ум для молитвы.

Лукас Кранах, Купидон, ужаленный пчелой, 1522, Веймер
Ганс Гольбейн, "Послы", 1533 г., родился в Аугсбурге, умер в Лондоне. См. ниже.
Питер Брейгель Старший, Поклонение королей, 1564, Брюссель

Италия в 1500-х годах

Леонардо да Винчи, "Дева со скал", ок. 1506 г., Милан. См. ниже.
Микеланджело, "Погребение Христа", ок. 1506 г., Рим. См. ниже.
Рафаэль, "Ансидейская мадонна", ок. 1505 г,
Джорджоне, Поклонение королей, 1507 год, Венеция

Тициан, Вакх и Ариадна, 1523 год, Венеция

Эта картина взята из греческой мифологии. Принцесса Ариадна потерпела кораблекрушение на Наксосе, острове Вакха. Вакх видит Ариадну и влюбляется с первого взгляда. Тициан показывает, как он спрыгивает с колесницы, запряженной гепардами, а Ариадна поворачивается, чтобы убежать. Но Ариадна смотрит в глаза Вакху и тоже влюбляется. В небе - корона из звезд, которую Вакх подарил ей на свадьбе. Тициан изобразил спиральное движение во многих фигурах. Это можно увидеть на красном шарфе Ариадны. Хотя эта картина посвящена мифологии, фигуры очень реалистичны.

Пармиджано, Мадонна с младенцем и святым Иоанном, 1527 год, Парма

Лоренцо Лотто, Дама в роли Лукреции, 1530, Венеция

На этом портрете изображена женщина в богатом бархатном платье, держащая в руках рисунок Лукреции, знатной женщины Древнего Рима, которая покончила с собой, зарезав себя после изнасилования. Возможно, картина была написана для семьи, которая хотела, чтобы их дочь удачно вышла замуж. Символизм картины показывает, что молодая женщина, во-первых, богата, а во-вторых, сексуально чиста. Эти две вещи были важны для создания хорошего брака. Лотто использовал контраст цветов в оранжевом и зеленом платье, чтобы создать эффект богатства. Он также необычно использовал контраст тонов. Очень светлые участки, такие как ее лицо, грудь и рука, контролируют центр картины. Еще три очень светлые области расположены с правой стороны - рисунок, рука и записка. Такое расположение является асимметричным

Бронзино, Аллегория, ок. 1550, Флоренция. См. ниже.
Тинторетто, Святой Георгий и дракон, 1560-е годы, Венеция

Италия, Франция и Испания в 1600-х годах

Караваджо, Вечеря в Эммаусе, ок. 1600 г., Рим

Эта картина основана на истории из Библии. Двое последователей Иисуса шли по дороге в Эммаус и печально говорили о смерти Иисуса. Навстречу им шел человек, но сначала они его не узнали. В тот вечер, ужиная в трактире, они вдруг поняли, что это Иисус, воскресший из мертвых и теперь живой. Караваджо показал этот момент времени, как будто это фотография. То, что делает эту картину такой реальной, - это свет, движение и детали. Караваджо изобразил свет, исходящий с одной стороны, как будто там была большая лампа. Голова трактирщика создает за Иисусом тень, похожую на нимб. Картина уловила одну секунду, когда Иисус поднял руку, один человек начинает вставать, а другой раскидывает руки. Только трактирщик неподвижен. Вид на руку Иисуса, руки мужчины и локоть другого мужчины искажены. В деталях изображены обычные люди в обычной одежде, старой и рваной. Есть также натюрморт с корзиной на краю стола. Освещение и реализм Караваджо копировали многие другие художники, включая Рембрандта и Веласкеса.

Эль Греко, Христос, изгоняющий торговцев из храма, ок. 1600 г., Толедо
Аннибале Карраччи, Quo vadis? , 1602, Рим

Клод Лоррен, Отъезд царицы Савской, 1648, Франция и Рим

Этот воображаемый пейзаж основан на библейской истории. В этой сцене царица Савская отправляется в путешествие из Африки в Палестину, чтобы встретиться с царем Соломоном. Но на самом деле художник хотел показать туманный утренний свет восходящего над морем солнца. Он также изобразил три различных типа зданий. Слева - древние руины, подобные тем, которые художник видел в Риме. На заднем плане - замок и башня времен Средневековья. Слева королева выходит из величественного дворца в новом стиле эпохи Возрождения. Ничто в этой картине не имеет отношения к Африке или Палестине. Речь идет о Риме. Изображая царицу Савскую, Пуссен хочет сказать, что город Рим со всей его 2000-летней историей похож на самую красивую и умную царицу, которая когда-либо жила. Такого рода картины называются "аллегориями".

Николас Пуссен, Вакханалия, 1603, Франция и Рим

Эта картина представляет собой сцену из римской мифологии. Женщины - нимфы, духи леса. Некоторые из мужчин - сатиры, у них рога и копыта козла. Они живут на Наксосе, острове Вакха, и проводят много времени, напиваясь, танцуя и занимаясь любовью. На этой дикой вечеринке даже младенцы пьют вино. Одна нимфа собирается разбить кувшин с вином о голову сатира, который пытается поцеловать ее подругу. Пуссен использовал большие участки яркого цвета. Сначала картина выглядит как нагромождение тел, но все очень аккуратно расставлено, чтобы придать эффект танца всей картине. В большом треугольнике расположены все фигуры. За пределами треугольника справа находится статуя Пана. С левой стороны - прекрасный пейзаж.

Диего Веласкес, "Венера Рокеби", 1649 год, Мадрид.

Эта картина взята из римской мифологии. На ней изображена Венера, богиня любви и красоты, смотрящаяся в зеркало, которое держит ее сын Купидон. Большую часть своего времени Веласкес посвятил написанию портретов для королевской семьи Испании и их родственников. Он является одним из самых известных портретистов всех времен. Но эта картина, вероятно, была написана для себя, и, выполняя ее, он подверг себя опасности серьезного наказания. В Испании, хотя правил король, церковь контролировала ситуацию. Они следили за всем, что каждый делал, и предали смерти очень большое количество людей. В Испании было противозаконно рисовать обнаженную натуру, как на этой картине. Веласкес был очень осторожен, чтобы показать только ее спину. Изображение лица не очень четкое. Старые зеркала были не такими четкими, как современные. Возможно, Веласкес хотел замаскировать лицо женщины для ее защиты. Компоновка и колорит на этой картине очень просты. Изящные линии тела повторяются в серо-белом покрывале. Красное покрывало находится под тем же углом, что и ее голова, и имеет теплый цвет, как и ее розовая плоть.

Мурильо, "Две Троицы", 1681, Севилья

Голландия и Фландрия в 1600-х годах

Геррит фон Хонтхорст, Христос перед первосвященником, 1617, Утрехт

Рембрандт, Пир Белшаззара, 1630-е годы, Лейден

Рембрандт наиболее известен как автор портретов, в частности, многочисленных автопортретов, на которых запечатлена его жизнь с подросткового возраста до старости. Он также написал множество сцен из Библии, таких как эта. Отец князя Белшаззара увел еврейский народ в Вавилон в качестве рабов. Белшазар устраивал пир и послал слуг принести золотые кубки, украденные из Иерусалимского храма. Вдруг появилась странная рука и написала на стене послание. Никто не знал, что оно означает, поэтому Бальшазар спросил Даниила, который был еврейским пророком. Даниил сказал: "Ты был взвешен и измерен Богом. Ты не соответствуешь Божьим правилам. Твои дни сочтены!" Эта картина показывает, как многому научились голландские художники у Караваджо. Эту картину можно сравнить с "Вечерей в Эммаусе". Это еще одна сцена, полная драматизма. Рембрандт расположил две фигуры под необычными углами. Тело Белшаззара обращено к зрителю, но его голова повернута, чтобы видеть, что происходит позади него. Вскочив с кресла, он сбивает золотой кубок, который держит одна из его жен. Она также находится под странным углом, потому что зритель смотрит вниз на ее голову и плечи. Рембрандт создал контраст между богатой текстурой его одеяний и его дряблым лицом и толстым животом.

Антони ван Дейк, Карл I Английский верхом на коне, 1631 год, Лондон. См. ниже.

Питер Пауль Рубенс, "Суд Париса", 1632 год, Антверпен

Рубенс был настолько популярным художником, что стал богатым и знаменитым. Он писал портреты и многие сцены из Библии и мифологии. Сюжет этой картины взят из греческой и римской мифологии. Парис был принцем, которого воспитывал пастух. Ему дали золотое яблоко и попросили судить конкурс красоты между тремя богинями: Юноной, богиней семьи, Минервой, богиней войны, и Венерой, богиней любви. Каждая из них предлагала свою награду: богатство, успех в битве и самую красивую женщину в мире в жены. Парис выбрал последнее и отдал яблоко Венере. Это разозлило двух очень влиятельных людей. И, чего он не понимал, так это того, что самая красивая женщина в мире, Елена Троянская, уже была замужем. Рубенс написал картину, чтобы украсить стену дома богатого покровителя. На картине много деталей, которые помогают рассказать историю. Это и маленький Купидон, и овчарка, и павлин Юноны, и страшный щит Минервы, и овцы, пасущиеся на фоне прекрасного пейзажа. Но самое главное на картине - это три прекрасные обнаженные натуры. Именно это сделало картины Рубена такими популярными.

Франц Хальс, Семейная группа, 1640-е годы, Антверпен
Питер дер Хуг, Двор в Делфте, 1658, Делфт. См. ниже.
Йоханнес Вермеер, "Молодая женщина у вирджиналий", ок. 1670 г., Делфт. См. ниже.

Мейндерт Хоббема, проспект, 1689, Мидделхарнис

Пейзажная живопись стала очень популярной в Голландии в 1600-х годах. На этой картине очень важна перспектива. В очень плоской стране бывает трудно определить, насколько далеко находятся предметы. Хоббема использовал эту прямую дорогу с двумя рядами высоких деревьев, чтобы создать ощущение, что город находится далеко. На первый взгляд эта картина кажется вполне симметричной. Но Хоббема добавил много различий, чтобы сделать картину более интересной, уравновесив фермерский дом на одной стороне с церковью на другой и сделав два ряда деревьев совершенно разными.

1700-е годы

Ватто, Влюбленные, ок. 1720 г., Франция
Джамбаттиста Питтони, Жертвоприношение Поликсены, 1740, Венеция
Каналетто, Бассейн собора Святого Марка в день Вознесения, ок. 1740 г., Венеция
Шарден, Маленький учитель, ок. 1740 г., Париж. См. ниже.
Уильям Хогарт, Брак в стиле а-ля Мод (история в шести картинах), 1743 год, Лондон

Джордж Стаббс, Семья в своем фаэтоне, ок. 1750 г., Англия

В 1700-х годах в Англии были популярны пейзажные картины, но это были не просто изображения красивой сельской местности, написанные для украшения комнаты. Большинство пейзажных картин были также записями о семье и земле, которой она владела. Они свидетельствовали о богатстве и статусе семьи. На этой картине землевладельцы демонстрируют свой частный парк с разнообразными деревьями. Они также демонстрируют свою великолепную пару лошадей и элегантную карету под названием "фаэтон". Вместе эта карета и лошади представляют собой эквивалент очень дорогого автомобиля 18 века. Стаббс был наиболее известен тем, что рисовал лошадей. Он был мастером создания прекрасных картин. Здесь он создал баланс между большой модной шляпой дамы на фоне темного дерева и черными лошадьми на фоне бледного неба.

Тьеполо, Аллегория любви и времени, 1754, Италия
Джошуа Рейнольдс, сэр Банастр Тарлетон, 1782 год, Лондон
Томас Гейнсборо, Утренняя прогулка, 1786, Лондон
Гойя, Герцог Веллингтон, 1812 год, Испания и Франция

1800 и далее

Тернер, "Темерер", 1838 год, Лондон

Это грустная картина. Ее полное название - "Боевой Темерер", отбуксированный к своему последнему причалу, чтобы быть разобранным на металлолом. Это последнее путешествие для одного из великих военных кораблей, который сражался за Англию против французского флота в Трафальгарской битве. Ее высокая элегантная форма контрастирует с грязным черным буксиром с дымящейся воронкой, который буксирует ее прочь. Тернер, который был экспертом в изображении моря, неба и погоды, поместил луну на небе рядом с парусником. Луна находится в своей последней фазе. На другой стороне картины восходит солнце с красным сиянием, словно огонь на воде. Убывающая луна - символ окончания эпохи великих парусников. Пылающее солнце на воде - символ новой эры парового двигателя.

Констебл, "Сенокос", 1821 год, Саффолк
Ингр, Мадам Муатессье, 1856, Париж
Курбе, Женщины на берегу Сены, 1857, Франция

Анри Фантен-Латур, Яблоки на блюде, 1861, Франция

Эта картина представляет собой натюрморт. В эпоху Возрождения резьба с изображением натюрмортов часто была частью деревянной отделки важных комнат во дворце. В 1600-х и 1700-х годах картины с натюрмортами также получили широкое распространение и чаще всего встречались в столовой, где фрукты, цветы и животные, убитые ради мяса, были модным украшением. В 1800-х годах многие художники, такие как Фантен-Латур, писали небольшие натюрморты, подобные этому, чтобы отработать навыки компоновки картины, изучения света и текстуры. Многие художники также писали натюрморты, потому что были слишком бедны, чтобы платить за натурщика, или погода была слишком плохая, чтобы писать пейзажи. Фантен-Латур сделал большое количество небольших картин, подобных этой. Он расположил четыре яблока разных цветов и форм и изучил, как свет отражается на их изогнутых поверхностях.

Мане, "Официантка", 1879, Париж
Клод Моне, Здание парламента, Лондон, французский живописец. См. далее.
Ренуар, "Зонтики", ок. 1880 г., Франция

Сёра, "Купальщицы в Асньере", 1884, Франция

Сёра был другом французских художников-импрессионистов. У него была теория, что все цвета состоят из множества цветов, которые сортируются при прохождении света в глаз. Он экспериментировал с цветом, рисуя крошечными точками. Его стиль живописи называется пуантилизм. Работа над этой большой картиной заняла много времени. Несмотря на то, что это сцена на открытом воздухе с множеством фигур, она очень неподвижна, как будто время остановилось. При внимательном рассмотрении картины видно, что даже те части, которые кажутся белыми или черными, состоят из сотен маленьких цветных точек.

Эдгар Дега, Расчесывание волос, ок. 1885, Париж
Сезанн, Горы в Провансе, 1890, Прованс

Винсент Ван Гог, Пейзаж с кипарисовой сосной, ок. 1890 г., Франция

У Винсента Ван Гога была трудная и беспокойная жизнь. Он родился в Голландии, но рисовать уехал во Францию. У него было очень мало друзей, и ему было трудно продавать свои картины. К счастью, его поддерживали брат Тео и врач, для которого он писал картины. Этот пейзаж - хороший пример его стиля. На картине кажется, что все живет своей собственной жизнью. Облака похожи на огромных зверей, которые несутся по небу, развевающиеся зерна протягивают руки, горы грохочут, а кипарисовая сосна выглядит довольно опасной. Винсент использовал каждый мазок кисти, чтобы помочь создать это движение, похожее на пламя. Еще одна важная вещь в этой картине - контраст. Цвета меняются от теплых красновато-оранжевых до льдисто-голубых. Большое темное дерево справа тонально контрастирует с белыми облаками. Вертикальное направление дерева контрастирует с горизонтальным направлением пейзажа. В 1890 году Винсент покончил с собой, написав сотни картин всего за пять лет.